THE STAMP GALLERY PRESENTS
We Will Not Be Silent: Art Transforming Rape Culture
Featuring artists Gloria Garrett, Nickole Keith, Eva Salazar, and Jadelynn St Dre
Curated by Hannah Brancato
Curatorial Assistants: Rachel Schmid-James and Gabriella “G” Warner
October 30 - December 15, 2025
Opening Reception November 5, 2025, 5-7:30 p.m.
Performances begin at 6:30 p.m.
Weaving New Worlds: Banner Making Workshop
facilitated by Jadelynn St Dre and Hannah Brancato
at the LGBTQ+ Equity Center
Monday, September 29, 4-7 p.m.
Creating Beautiful Trouble: A Workshop for Activists
Facilitated by Mora Fernández and Hannah Brancato
In Studio A, B0107 Stamp Union
Wednesday, November 12, 5:30-7:30 p.m.
Exhibition and All Programs are Free and Open to the Public
College Park, MD. We Will Not Be Silent: Art Transforming Rape Culture features four artists who form a network of survivors and supporters addressing sexual violence. Their sensorial works, made from makeup, salt, clay, wood, fabric, and their own bodies, invite viewers to feel the realities of surviving and confront the inextricable links between sexual violence and the institutions that create it. These artists exemplify the ingenuity of resistance. Their work generates possibilities for a future rooted in the experiences and identities of the artists, as queer, trans, multi-racial, disabled, Indigenous, Mexican, and Black.
Each body of art will be displayed alongside the artists’ contributions to the Monument Quilt, a collective project comprised of 3,000 stories from survivors of sexual violence, emblazoned on fabric and displayed in public places. In the spirit of the now concluded Monument Quilt, a series of banners made by UMD students will be on view.
Accessibility is a high priority for the exhibition. Accessible practices include content warnings, sensory objects, tactile artworks, seating, braille labels, quiet spaces for rest, and visual descriptions of artworks. Visitors are encouraged to wear a mask while visiting the opening and are also encouraged to read the content warnings ahead of attending. Interpretation materials in this exhibition will be available in English, Spanish, and Braille. A full statement of accessibility is available here, as well as below.
About the Artists:
Gloria Garrett (Baltimore, 1959–2022), she/her, is famously known as the “Mother of Makeup Art,” was a visionary self-taught folk artist from Baltimore, Maryland. She transformed everyday cosmetics and household items such as lipstick, foundation, nail polish, and eye shadow into vivid, joyful works of art, pioneering a medium uniquely her own. Her bright, bold, and affirming paintings continue to inspire audiences worldwide.
From an early age, Gloria’s creative spirit was undeniable. By five, she was sketching, performing, and writing poetry, expressions that grew into a lifelong practice of joy, resilience, and community. Her artwork was rooted in healing and transformation. She believed art could uplift, heal, and unite people. Through her “Art for Healing” workshops, “Laughter Therapy” programs, and storytelling, Gloria helped others navigate trauma and embrace wellness. “Art can inspire people to open their hearts and imagine a world of peace and joy,” she often said.
Her work reached audiences across the globe, from Baltimore to Los Angeles, Rome, Milan, and Paris. Always grounded in her heritage and the resilience of everyday people, Gloria’s art remains a powerful force for healing, celebration, and cultural voice. Gloria Garret is represented in this exhibition by her three daughters, LaToya White, LaTrice Huff, and LaTanya Smoot.
Nickole Keith (Battle Creek, 1980), she/her, is a Food Sovereignty Coordinator by day and an artist by night. Her medium of choice is acrylic on wood panels. As a citizen of the Nottawaseppi Huron Band of the Potawatomi Tribe, her artwork is powerfully shaped and centered around the atrocities of her Indigenous heritage. Nickole also encourages healing through the ability of storytelling in her paintings. Growing up, she was strongly influenced by her maternal uncle, William “Hawkman” Day, who was a self-taught artist. Nickole was born and raised in Battle Creek, Michigan, and is a proud mother of two adult children, Journi and Christopher Wilson, and a grandmother to a four-year-old grandson. She currently resides on the Pine Creek Reservation in Fulton, Michigan, with an at-home art studio.
Eva Salazar (CDMX, 1997), she/they, is a multidisciplinary process-based artist and performer working in Chicago, IL, and Mexico City. Her work lies at the intersection of performance, sound art, and visual arts: combining improvisation and performance with physical materials such as ceramics, painting, and textiles. Salazar has a background in Free Jazz improvisation, studies the Roy Hart technique, and integrates Butoh dance into her performative practice. She holds a BFA from the School of the Art Institute of Chicago with an emphasis in Material Studies and Art History.
Her Practice emphasizes sensuality, intimacy, and texture as experiential forms of contact: the relationship between touch and sound, and embodying sculpture. Salazar’s works call upon physical contact, improvisation, and catharsis as the jumping off point for the creation of objects, solo and collaborative performances, dance, and the uninhibited/unhindered voice as the ultimate expression of the body.
Salazar has presented Solo exhibitions at SITE Gallery in Chicago, and CasaCaos in Mexico City. She has also exhibited works at The Martin, Robert T. Wright Community Gallery of Art, Sullivan Gallery, The Chicago Art Department, and The Fulton Street Collective in Chicago IL, and will be exhibiting at York University later this year as part of the PhotoVoice project by La Casa Mandarina. Salazar is the founder and curator of the Center for Art and Thought (Centro de Arte y Pensamiento) in Mexico City. She has performed in Venas Rotas Discos, Museo El Chopo, Casa del Lago, and CasaCaos in Mexico City.
Jadelynn St Dre (Mission Viejo, 1980), she/her, is a Queer, disabled, Latine, cis-femme interdisciplinary performance artist of European and Indigenous descent. With over fifteen years of experience as an organizer and artist in anti-violence spaces, she works to amplify the voices of those often marginalized within mainstream movements.
St Dre offers her bodymind as a site of artistic investigation, exploring somatic and psychological expression in relation to trauma, as well as cultural, racial, and sexual identities. Her work blends performance, ritual, somatic movement, and experimental poetry, drawing from her experience as an artist, community organizer, and trauma therapist. Her multidisciplinary works aim to create artistic landscapes which incite transformative encounters that manifest lasting, intergenerational impacts. Rooted in her identity as a Mama from a lineage of women who have endured trauma, St Dre’s art calls for radical nourishment and the creation of a world where safety is not just a concept but a reality for all.
St Dre’s original and collaborative artistic work has been shown nationally, internationally, and in print. Her multidisciplinary artistic project, Choreographies of Disclosure, is the subject of chapters within the anthologies Sex on Stage: Performing the Body Politic (2025) and Together We Do (submitted for publication). She was honored to have organized as part of the original Leadership Team of The Monument Quilt, through the display on the National Mall, and continues to dedicate her practice in service to survivors of trauma.
About the Curator:
Hannah Brancato she/her, M.F.A., is an artist and educator based in Baltimore. As a Doctoral Student in American Studies, her research is about memory work and the role of art in anti-sexual violence movements during the 2010s, with a theoretical grounding in Indigenous studies, women of color feminisms, and disability studies.
Hannah’s research is informed by her role as co-founder FORCE: Upsetting Rape Culture, an art/organizing collective active from 2010-2020, that produced a range of creative interventions to create a culture of consent. FORCE is best known for the Monument Quilt, a collection of 3,000 stories from survivors of sexual violence, written, painted, and stitched onto red fabric. The “quilts” literally blanketed public spaces across the US and Mexico 50 times between 2013-2019, culminating in a massive installation on the National Mall, when they were assembled across 1 mile to spell “Not Alone” and “No Estas Solx.” In addition to widespread media coverage, the Monument Quilt was featured on the Summer 2025 cover of Signs Journal, along with the publication of the article “‘You Are Not Alone’: Feminist Memorialization and the Present Tense of Gender-Based Violence in the Monument Quilt,” by Harriet Gray and Phoebe Martin. She is a co-author of the forthcoming book chapter, “Needle Methodologies: Theory through Practice,” in Handbook of Craft as Method, which will be published by Routledge.
Brancato has 15 years of teaching experience, including part-time faculty roles at Maryland Institute College of Art, Towson University, and the University of Maryland (Baltimore County and College Park). Brancato lectures and holds workshops related to her art practice and her research about trauma-informed pedagogy, most recently leading trainings at Northern Virginia Community College and the School of the Art Institute of Chicago, and giving artist talks at Massachusetts College of Art and Design and the Colgate University Women’s Center. Her recent collaborative and socially engaged artistic work, “Dreamseeds,” is currently on view at the Baltimore Museum of Art.
About the Curatorial Assistants:
Rachel Schmid-James, she/her, is a current senior at the University of Maryland, College Park, pursuing a double major in Art History and Classical Humanities. From 2024-2025, she was a member of the Contemporary Art Purchasing Program committee member, where she worked with a group of five other students to purchase contemporary art for the University of Maryland’s Stamp Student Union’s collection, which is now home to over seventy pieces of work. As a curatorial assistant for this exhibition, she has been supporting research into anti-sexual violence movements on campus and beyond, as well as working to bridge the gap between the exhibition and the student body.
Gabriella ‘G" Warner, she/they, is a current senior at the University of Maryland, College Park, majoring in Animal Sciences on the pre-veterinary track. In 2023, she served as a Peer Mentor for the "Art & Activism" class taught by Dr. Abigail McEwen, who is an art history professor specializing in the history of modern and contemporary Latin American art. Throughout their undergraduate career, she has also worked as a Peer Guide, teaching a shortened class for a trial run of Radical Health – a peer-based program designed to discuss mental health issues and build community. Despite coming from a non-traditional artistic background, they were recommended for this exhibition by Dr. McEwen. Through challenging conversations surrounding mental health and explorations of art's role in activism, she draws on her unique perspective to facilitate meaningful dialogue around difficult topics. Their role as a curatorial assistant has provided an opportunity for deeper exploration into the intersection of art, advocacy, and community healing.
Associated Programming:
Weaving New Worlds: Banner Making Workshop
Facilitated by Jadelynn St Dre and Hannah Brancato
Co-hosted by the Stamp gallery and the LGBTQ Equity Center
September 29, 4-7 p.m.
In this workshop, students will be invited to discuss dreams and visions for a world without sexual violence, rooted in queer histories, wisdom, and brilliance. We will make collaborative banners to be included in the upcoming exhibition at Stamp Gallery: We Will Not Be Silent: Art Transforming Rape Culture, October 30-December 15, 2025.
About the facilitators:
Jadelynn St Dre is a featured artist in “We Will Not Be Silent.” Her work bridges the intersections of interdisciplinary performance and community support work, creating rituals that highlight interdependence, radical care, and resistance. Jadelynn is a Queer, disabled, Latine, cis-femme interdisciplinary performance artist of European and Indigenous descent. With over fifteen years of experience as an organizer and artist in anti-violence spaces, she works to amplify the voices of those often marginalized within mainstream movements.
Hannah Brancato is the curator of the exhibition, a current PhD student in American Studies at the University of Maryland, and an artist. Her research focuses on memory work and the role of art in anti-sexual violence movements, and is informed by her role as co-founder FORCE: Upsetting Rape Culture, an art/organizing collective active from 2010-2020, that produced a range of creative interventions to create a culture of consent. FORCE is best known for the Monument Quilt, a collection of 3,000 stories from survivors of sexual violence, written, painted and stitched onto red fabric. Her current collaborative artwork, Dreamseeds, is currently on view at the Baltimore Museum of Art.
Creating Beautiful Trouble: A workshop for activists
Facilitated by Mora Fernández and Hannah Brancato
Co-hosted by the Stamp Gallery and CARE
November 12, 5:30-7:30 p.m.
Creating Beautiful Trouble is a workshop that draws from an open-source toolkit of the same name. After viewing examples of “artivism” from the toolkit, and Mora Fernández’s research in Latin America, the facilitators will lead students in ideation about their own artistic strategies to resist sexual violence. The workshop will invite students to reflect on their lived experiences, analyzing the problems and possibilities that they face in constructing a supportive culture for survivors and in building consent culture.
This workshop is in conjunction with the current exhibition at the Stamp Gallery, We Will Not Be Silent: Art Transforming Rape Culture, on view from October 30 to December 15, 2025.
About the facilitators:
Mora Fernández (she/her) is an author for the “We Will Not Be Silent” catalogue, where she is writing about how activism is remembered and memory is built. She is a Mexican ARTivist, consultant, human rights defender, survivor, and advocate for victims of child sexual abuse with 25 years of international experience creating innovative, disruptive and radical advocacy and artistic projects to fight against sexual violence, heal trauma, reclaim joy and pleasure, and change public policies. She is the Founder and CEO of La Casa Mandarina AC (LCM), and co-director of FORCE: upsetting rape culture. She became involved with the Monument Quilt when LCM led the Mexican branch and focused primarily on the experiences of undocumented migrants and Latinx survivors. Mora is the co-investigator of a research project between LCM and the University of York, UK: “From feeling to resisting: artivist impact, resistance and knowledge on sexual and gender violence in Mexico.”
Hannah Brancato (she/her) is the curator of the exhibition, a current PhD student in American Studies at the University of Maryland, and an artist. Her research focuses on memory work and the role of art in anti-sexual violence movements, and is informed by her role as co-founder FORCE: Upsetting Rape Culture, an art/organizing collective active from 2010-2020, that produced a range of creative interventions to create a culture of consent. FORCE is best known for the Monument Quilt, a collection of 3,000 stories from survivors of sexual violence, written, painted, and stitched onto red fabric. Her current collaborative artwork, Dreamseeds, is currently on view at the Baltimore Museum of Art.
This exhibition is supported by a Do Good Institute Campus Fund Grant, Arts For All, and the Maryland State Arts Council. Programming is supported by the LGBTQ+ Equity Center, the Student Experience and Disability Culture Initiative, and CARE to Stop Violence.
Support for the Monument Quilt final display in 2019 was provided by many supporters, including Open Society Foundation, Robert W. Deutsch Foundation, Jane Brown, Eva Fury, Catharine Kappauf and Clarke Hitch, Shelley and Charles Kappauf, Gretchen Rohr, Doreen Bolger, Twig George, Robbye Apperson, Cricket Arrison, John and Virginia Hitch, Rachel Smith, the DC Mayor's Office of Victim Services and Justice Grants, The Baltimore Community Foundation, Fury Donor Fund, Zanvyl and Isabelle Krieger Fund, William G. Baker, Jr. Memorial Fund, NoVo Foundation Move to End Violence, Maryland Institute College of Art, National Museum of Women in the Arts, T Rowe Price Foundation, Susan Hayes Enterprises, Lanningsmith Studios, Hopeworks of Howard County, and National Women’s Law Center.
Content Warnings
Visitors are encouraged to read the content warnings for the exhibition ahead of time. They will also be available in the gallery.
Accessibility
A shareable version of this statement is available here.
Trauma-responsive space: Centering the needs of people victimized by trauma, including sexual and intimate partner violence, is essential to this exhibition. As Jadelynn St Dre says, a trauma-responsive space is not only about an awareness of the prevalence of trauma, but also is designed to respond to people’s needs as they arise. The exhibition recognizes the wide impacts that violence can have, and that violence occurs on structural, institutional, community, and interpersonal levels. The choice of artworks, language, resources, seating, and atmosphere of the exhibition, in addition to the below accessibility practices, are designed with these realities in mind, including content warnings that encourage visitors to be reflective about how they witness the stories and artworks in the show.
Exhibition: Accessibility for this exhibition includes content warnings, sensory objects, tactile artworks, seating, braille labels, quiet spaces for rest, and visual descriptions of artworks.
Community care: To protect and be in solidarity with those most vulnerable to COVID and other infections, including disabled and immunocompromised folks, participants are encouraged to wear a tight-fitting mask while in the gallery, unless you are eating.
Sound and Smell: Please avoid wearing strong scents for the opening reception. On November 5, there will be two performances, one with group singing/vocalizing.
Wheelchair accessibility: All entrances to the Stamp are wheelchair accessible and are equipped with automatic door openers. Some entrances are at sidewalk level, and those that are not have ADA-compliant wheelchair accessible ramps.
Building Navigation: The Stamp Gallery is located on the first floor of the Stamp building. It is accessible by elevator from other levels of the building. The elevator includes Braille lettering to assist blind and low vision community members. From the center front entrance, the gallery is in the middle of the building on the right side. The Stamp Gallery does not have automatic door openers. It is staffed by docents when it is open.
Parking: ADA parking spots are available in the Union Lane parking garage located on the west side of the Stamp. Wheelchair accessible curb-cuts in the sidewalks allow visitors with disabilities to access the Stamp from the Union Lane parking garage. There are also a limited number of handicapped parking spots on Campus Drive in front of Cole Fieldhouse.
Restrooms: All restrooms in the Stamp have larger accessible stalls included in each restroom. The restrooms do not have automatic door openers. Paper towel dispensers and hand-dryers are wall-mounted at accessible heights. There is a family/gender neutral restroom on the Basement Level outside of the Bookstore/TerpZone.
ASL interpretation will be available at the opening on November 5th.
Full building accessibility details are located at https://stamp.umd.edu/visit/accessibility_resources
This statement of accessibility practices was informed by the work of the Rooted Collective and created in consultation with Baltimore: The City of Accessible Arts (BCAA). Rooted is a liberatory gathering of Black LGBTQ people to define, dream, and expand on the ways in which we heal from oppression and practice joy and pleasure. Rooted grounds their work in the knowledge that healing for all Black people is political resistance. BCAA is a project that aims to transform Baltimore into a city of accessible arts. Essential to this Baltimore-based project is the creative leadership of disabled artists and community members, working in close collaboration with museums, galleries, art spaces, and Baltimore organizations serving disabled adults and youth.
ABOUT THE GALLERY
Located on the first floor of the Adele H. Stamp Student Union—Center for Campus Life at the University of Maryland, College Park, the Stamp Gallery is dedicated to exhibiting contemporary art, especially the work of emerging and mid-career artists. The Stamp Gallery supports contemporary art that is challenging, academically engaging, and attuned to broad community and social issues. Through meaningful exhibitions and programming, the Gallery offers outside-of-the-classroom experiential learning opportunities. It functions as a laboratory where emerging artists and curators experiment and refine their ideas. The Gallery’s programming aims to emphasize the importance of process to contemporary artistic practice and to provide a forum for dialogue.
FREE and open to the public.
Gallery hours: Mondays–Thursdays: 10 a.m. – 8 p.m., Fridays: 10 a.m. – 5 p.m., Saturdays: 11 a.m. – 5 p.m., Sundays: Closed.
More information: stamp.umd.edu/gallery.
ESPAÑOL:
STAMP GALLERY PRESENTA
No guardaremos silencio: el arte transformando la cultura de violación
Curaduría por Hannah Brancato
Asistentes de curaduría: Rachel Schmid-James y Gabriella “G” Warner
Artistas participantes: Gloria Garrett, Nickole Keith, Eva Salazar y Jadelynn St Dre
Imagen: Izq: Eva Salazar, Tener y sostener, foto por Natalia Martin; De: Eva Salazar, Manta del Monumento de Historias, foto por Ben McNutt
30 de octubre – 15 de diciembre 2025
Inauguración 5 de noviembre, 2025, 5-7:30 p.m.
Las actuaciones empiezan a las 6:30 p.m.
Tejiendo nuevos mundos: talleres de creación de carteles
facilitado por Jadelynn St Dre y Hannah Brancato
en el LGBTQ+ Equity Center
lunes 29 de septiembre, 4-7 p.m.
Creando problemas hermosos: un taller para activistas
facilitado por Mora Fernández y Hannah Brancato
en el Studio A, B0107 Stamp Union
miércoles 12 de noviembre, 5:30-7:30 p.m.
La exposición y todos los programas son gratuitos y abiertos al público.
College Park, MD. No guardaremos silencio: el arte transformando la cultura de la violación presenta a cuatro artistas que, juntxs, forman una red de artistas y sobrevivientes que abordan la violencia sexual. Sus obras sensoriales, hechas con maquillaje, sal, arcilla, madera, tela y sus propios cuerpos, invitan al público a sentir las realidades de sobrevivir y a confrontar los vínculos inextricables entre la violencia sexual y las instituciones que la generan. Estxs artistas ejemplifican el ingenio de la resistencia. Su trabajo genera posibilidades para un futuro arraigado en las experiencias e identidades de cada artista, incluyendo las de queer, trans, multirracial, con discapacidad, indígenx, mexicanx y negrx.
El trabajo de cada artista se exhibirá junto con sus contribuciones al Monumento de Historias, un proyecto compuesto por 3000 historias de sobrevivientes de violencia sexual, estampadas en tela y exhibidas en espacios públicos. Siguiendo el espíritu del Monumento de Historias, ahora concluido, se exhibirá una serie de carteles hechos por estudiantes de la UMD.
La accesibilidad es una prioridad para la exposición. Las prácticas de accesibilidad de esta exposición incluyen advertencias sobre el contenido, objetos sensoriales, obras de arte táctiles, descripciones visuales, lugares para sentarse, etiquetas en braille, espacios tranquilos para el descanso y descripciones visuales de las obras de arte. Se recomienda a lxs visitantes usar un tapabocas durante la inauguración y leer las advertencias sobre el contenido antes de entrar. El material de esta exposición estará disponible en inglés, español y braille. El documento completo sobre accesibilidad está disponible aquí y también lo encontrarás más adelante.
Sobre lxs artistas:
Gloria Garrett (ella), (Baltimore 1959-2022) conocida como la Madre del Arte del Maquillaje, fue una visionaria artista popular autodidacta de Baltimore, Maryland. Transformó cosméticos cotidianos y artículos del hogar como labiales, bases de maquillaje, esmaltes de uñas y sombras de ojos en obras de arte vibrantes y alegres, siendo pionera en un medio único y personal. Sus pinturas brillantes y audaces siguen inspirando a públicos de todo el mundo.
Desde temprana edad, el espíritu creativo de Gloria fue innegable. A los cinco años dibujaba, actuaba y escribía poesía, expresiones que se convirtieron en una práctica de vida fundada en la alegría, resiliencia y comunidad. Su obra artística se basaba en la sanación y la transformación. Creía que el arte podía inspirar, sanar y unir a las personas. A través de sus talleres de "Arte para sanar", sus programas de "Risoterapia" y su narrativa, Gloria ayudó a otras personas a superar el trauma y a abrazar el bienestar. El arte puede inspirar a las personas a abrir sus corazones e imaginar un mundo de paz y alegría, solía decir.
Su obra llegó a públicos de todo el mundo, desde Baltimore hasta Los Ángeles, Roma, Milán y París. Siempre arraigada en su herencia y la resiliencia de la gente común, el arte de Gloria sigue siendo una poderosa fuerza de sanación, celebración y voz cultural. Gloria Garret está representada en esta exposición por sus tres hijas: LaToya White, LaTrice Huff y LaTanya Smoot.
Nickole Keith (ella), (Battle Creek 1980) es coordinadora de soberanía alimentaria de día y artista de noche. Su técnica preferida es el acrílico sobre paneles de madera. Como ciudadana de la Banda Hurón Nottawa Seppi de la Tribu Potawatomi, su obra artística está profundamente influenciada y centrada en las atrocidades de su herencia indígena. Nickole también promueve la sanación a través de la capacidad de narrar historias en sus pinturas. Durante su infancia fue influenciada por su tío materno, William "Hawkman" Day, quien fue un artista autodidacta. Nickole nació y creció en Battle Creek, Michigan, y es una orgullosa madre de dos hijos adultos, Journi y Christopher Wilson, y abuela de un infante de cuatro años. Actualmente reside en la Reserva Pine Creek en Fulton, Michigan, con un estudio de arte en casa.
Eva Salazar (ella/ella), (CDMX, 1997) es una artista y performer multidisciplinaria, basada en procesos, que trabaja entre Chicago, Illinois, y la Ciudad de México. Su obra se sitúa en la intersección del performance, el arte sonoro y las artes visuales, combinando la improvisación y el performance con materiales físicos como la cerámica, la pintura y los textiles. Salazar tiene formación en improvisación de free jazz, estudia la técnica de Roy Hart e integra la danza Butoh en su práctica performativa. Obtuvo una licenciatura en Bellas Artes por el School of the Art Institute of Chicago con especialización en Estudios de Materiales e Historia del Arte.
Su práctica se centra en la sensualidad, la intimidad y la textura como formas experienciales de contacto: la relación entre el tacto y el sonido, y la encarnación de la escultura. Las obras de Salazar recurren al contacto físico, la improvisación y la catarsis como punto de partida para la creación de objetos, performances individuales y colaborativas, danza y la voz desinhibida/sin restricciones como expresión corporal máxima.
Salazar ha presentado exposiciones individuales en la Galería SITE de Chicago y en CasaCaos de la Ciudad de México. También ha expuesto en The Martin, Robert T. Wright Community Gallery of Art, Sullivan Gallery, el Departamento de Arte de Chicago y The Fulton Street Collective en Chicago, Illinois, y expondrá en la Universidad de York a finales de este año como parte del proyecto PhotoVoice de La Casa Mandarina. Salazar es la fundadora y curadora del Centro de Arte y Pensamiento en la Ciudad de México. Ha presentado sus obras en Venas Rotas Discos, el Museo El Chopo, Casa del Lago y CasaCaos en la Ciudad de México.
Jadelynn St Dre (ella), (Mission Viejo, 1980) es una artista de performance interdisciplinaria queer, con discapacidad, latina, cis-femme, de ascendencia europea e indígena. Con más de quince años de experiencia como organizadora y artista en espacios antiviolencia, trabaja para amplificar las voces de quienes a menudo son marginadxs dentro de los movimientos tradicionales.
St Dre ofrece su cuerpo-mente como un espacio de investigación artística, explorando la expresión somática y psicológica en relación con el trauma, así como las identidades culturales, raciales y sexuales. Su obra combina performance, ritual, movimiento somático y poesía experimental basada en su experiencia como artista, organizadora comunitaria y terapeuta de trauma. Sus obras multidisciplinarias buscan crear paisajes artísticos que inciten encuentros transformadores que manifiesten impactos intergeneracionales duraderos. Arraigada en su identidad como Mama y proveniente de un linaje de mujeres que han sufrido traumas, el arte de St Dre aboga por una renovación radical y la creación de un mundo donde la seguridad no sea solo un concepto, sino una realidad para todxs.
La obra artística original y colaborativa de St. Dre se ha exhibido a nivel nacional e internacional y ha sido impreso. Su proyecto artístico multidisciplinario Coreografías de la Revelación es el tema de capítulos en las antologías Sex on Stage: Performing the Body Politic (2025) y Together We Do (presentada para su publicación). Tuvo el honor de formar parte del Equipo de Liderazgo original del Monumento de Historias que organizó la exhibición final en el National Mall y continúa dedicando su práctica al servicio de sobrevivientes de traumas.
Sobre la curadora:
Hannah Brancato (ella) es una artista y educadora radicada en Baltimore con una maestría en Bellas Artes. Como estudiante de doctorado en Estudios Estadounidenses, su investigación se centra en el trabajo de la memoria y el papel del arte en los movimientos contra la violencia sexual durante la década de 2010, con una base teórica en estudios indígenas, feminismos de mujeres racializadas y estudios sobre discapacidad.
La investigación de Hannah está influenciada por su rol como cofundadora de FORCE: upsetting rape culture, un colectivo artístico activo entre 2010 y 2020, que produjo una serie de intervenciones creativas para crear una cultura de consentimiento. FORCE es conocido por el Monumento de Historias, una colección de 3000 historias de sobrevivientes de violencia sexual, escritas, pintadas y bordadas sobre tela roja. Las “mantas” cubrieron espacios públicos en Estados Unidos y México 50 veces entre 2013 y 2019, culminando en una instalación masiva en el National Mall, donde se ensamblaron a lo largo de 1,6 kilómetros para formar las frases "Not Alone" y "No Estás Solx". Además de la amplia cobertura mediática, el Monumento de Historias apareció en la portada de verano 2025 del Signs Journal, junto con la publicación del artículo “No estás solx”: Memorialización feminista y el tiempo presente de la violencia de género en el Monumento de Historias, de Harriet Gray y Phoebe Martin. Hannah es coautora del próximo capítulo del libro Metodologías de la aguja: Teoría a través de la práctica, en Handbook of Craft as Method, que será publicado por Routledge.
Brancato cuenta con experiencia como docente, incluyendo puestos de profesora de medio tiempo en el Maryland Institute College of Art, la Universidad de Towson y la Universidad de Maryland (Condado de Baltimore y College Park). Brancato imparte conferencias y facilita talleres relacionados con su práctica artística y su investigación sobre pedagogía con enfoque de trauma. Recientemente, ha impartido capacitaciones en el Northern Virginia Community College y el School of the Art Institute of Chicago, y ha impartido charlas artísticas en el Massachusetts College of Art and Design y el Centro de Mujeres de la Universidad de Colgate. Su reciente trabajo artístico colaborativo y socialmente comprometido, “Dreamseeds”, se exhibe actualmente en el Museo de Arte de Baltimore.
Sobre lxs asistentes de curaduría:
Rachel Schmid-James (ella) es estudiante del último año en la Universidad de Maryland, College Park, donde cursa una doble especialización en Historia del arte y humanidades clásicas. Entre 2024 y 2025, formó parte del comité del Programa de adquisición de arte contemporáneo, donde colaboró con un grupo de cinco estudiantes en la adquisición de arte contemporáneo para la colección de la Unión de Estudiantes de la Universidad de Maryland, que actualmente alberga más de setenta obras. Como asistente en la curaduría de esta exposición, ha apoyado la investigación sobre los movimientos contra la violencia sexual dentro y fuera del campus, además de trabajar para conectar la exposición con el alumnado.
Gabriella "G" Warner (ella/elle) es estudiante del último año en la Universidad de Maryland, College Park, especializándose en Ciencias Animales en el programa pre-veterinario. En 2023, fue mentorx de pares en la clase “Arte y Activismo" impartida por la Dra. Abigail McEwen, profesora de historia del arte especializada en la historia del arte latinoamericano moderno y contemporáneo. A lo largo de su carrera universitaria, también trabajó como guía de pares, impartiendo una clase abreviada para una prueba piloto de Radical Health, un programa basado en pares diseñado para abordar problemas de salud mental y construir comunidad. A pesar de provenir de una formación artística no tradicional, fue recomendadx para esta exposición por la Dra. McEwen. A través de conversaciones estimulantes sobre la salud mental y exploraciones del papel del arte en el activismo, ellx recurre a su perspectiva única para facilitar un diálogo significativo sobre temas complejos. Su rol como asistente de curaduría le ha brindado la oportunidad de explorar más a fondo la intersección del arte, la defensa y la sanación comunitaria.
Programación:
Tejiendo nuevos mundos: taller de creación de carteles
Facilitado por Jadelynn St Dre y Hannah Brancato
Coorganizado por la Stamp Gallery y el LGBTQ+ Equity Center
29 de septiembre, 16:00-19:00 hrs
En este taller, se invitará a lxs estudiantes a debatir sus sueños y visiones para un mundo sin violencia sexual, arraigados en las historias, la sabiduría y la brillantez de las personas queer. Elaboraremos carteles colaborativos que se incluirán en la exposición en la Stamp Gallery: No guardaremos silencio: el arte transformando la cultura de violación, del 30 de octubre al 15 de diciembre de 2025.
Sobre las facilitadoras
Jadelynn St Dre (ella) es una artista destacada en “No guardaremos silencio”. Su trabajo conecta el performance interdisciplinario con el trabajo de apoyo comunitario, creando rituales que resaltan la interdependencia, el cuidado radical y la resistencia. Jadelynn es una artista de performance interdisciplinaria, queer, con discapacidad, latina y cis-femme, de ascendencia europea e indígena. Con más de quince años de experiencia como organizadora y artista en espacios contra la violencia, trabaja para amplificar las voces de quienes suelen ser marginados dentro de los movimientos tradicionales.
Hannah Brancato (ella) es la curadora de la exposición, estudiante de doctorado en Estudios Estadounidenses en la Universidad de Maryland y artista. Su investigación se centra en el trabajo de la memoria y el papel del arte en los movimientos contra la violencia sexual, y está influenciada por su rol como cofundadora de FORCE: Upsetting Rape Culture, un colectivo artístico activo entre 2010 y 2020, que produjo una serie de intervenciones creativas para crear una cultura del consentimiento. FORCE es conocida por el Monumento de Historias, una colección de 3000 historias de sobrevivientes de violencia sexual, escritas, pintadas y bordadas sobre tela roja. Su obra colaborativa actual, “Dreamseeds”, se exhibe actualmente en el Museo de Arte de Baltimore.
Creando problemas hermosos: un taller para activistas
Facilitado por Mora Fernández y Hannah Brancato
Coorganizado por la Stamp Gallery y CARE
12 de noviembre, 17:30-19:30 hrs
“Creando problemas hermosos” es un taller que se basa en un toolkit del mismo nombre. Después de ver ejemplos de "artivismo" del toolkit y la investigación de Mora Fernández en Latinoamérica, las facilitadoras guiarán a lxs estudiantes a idear sus propias estrategias artísticas para resistir la violencia sexual. El taller invitará a lxs estudiantes a reflexionar sobre sus experiencias vividas, analizando los problemas y las posibilidades que enfrentan al construir una cultura que apoye a lxs sobrevivientes y promueva la cultura del consentimiento.
Este taller se realiza en conjunto con la exposición actual en la Stamp Gallery: No guardaremos silencio: el arte transformando la cultura de violación, del 30 de octubre al 15 de diciembre de 2025.
Sobre las facilitadoras:
Mora Fernández (ella) es autora del catálogo “No guardaremos silencio”, donde escribe sobre cómo se recuerda y se construye memoria sobre el activismo. Es una ARTivista mexicana, consultora, defensora de derechos humanos, sobreviviente y acompañante de víctimas de abuso sexual infantil con veinticinco años de experiencia internacional creando proyectos innovadores, disruptivos y radicales para luchar contra la violencia sexual, sanar el trauma, reclamar la alegría y el placer y cambiar las políticas públicas. Es la fundadora y directora ejecutiva de La Casa Mandarina AC (LCM) y codirectora de FORCE: Upsetting Rape Culture. Se involucró con el Monumento de Historias cuando LCM dirigía la parte mexicana y se centró principalmente en las experiencias de migrantes indocumentadxs y sobrevivientes latinxs. Mora es coinvestigadora de un proyecto de investigación entre LCM y la Universidad de York, Reino Unido: Del sentir al resistir: impactos y conocimientos artivistas sobre la violencia sexual y de género en México.
Hannah Brancato (ella) es la curadora de la exposición, estudiante de doctorado en Estudios Estadounidenses en la Universidad de Maryland y artista. Su investigación se centra en el trabajo de la memoria y el papel del arte en los movimientos contra la violencia sexual, y está influenciada por su rol como cofundadora de FORCE: Upsetting Rape Culture, un colectivo artístico activo entre 2010 y 2020, que produjo una serie de intervenciones creativas para crear una cultura del consentimiento. FORCE es conocida por el Monumento de Historias, una colección de 3000 historias de sobrevivientes de violencia sexual, escritas, pintadas y bordadas sobre tela roja. Su obra colaborativa actual, “Dreamseeds”, se exhibe actualmente en el Museo de Arte de Baltimore.
Esta exposición fue posible gracias al apoyo del Do Good Institute Campus Fund Grant, Arts For All y el Maryland State Arts Council. La programación cuenta con el apoyo del LGBTQ+ Equity Center y CARE to Stop Violence.
La exhibición final del Monumento de Historias en 2019 fue posible gracias al apoyo de muchas personas y organizaciones, entre ellas el Open Society Foundation, Robert W. Deutsch Foundation, Jane Brown, Eva Fury, Catharine Kappauf y Clarke Hitch, Shelley y Charles Kappauf, Gretchen Rohr, Doreen Bolger, Twig George, Robbye Apperson, Cricket Arrison, John y Virginia Hitch, Rachel Smith, the DC Mayor's Office of Victim Services and Justice Grants, The Baltimore Community Foundation, Fury Donor Fund, Zanvyl and Isabelle Krieger Fund, William G. Baker, Jr. Memorial Fund, NoVo Foundation Move to End Violence, Maryland Institute College of Art, National Museum of Women in the Arts, T Rowe Price Foundation, Susan Hayes Enterprises, Lanningsmith Studios, Hopeworks of Howard County y National Women’s Law Center.
Advertencia de contenido
Se recomienda a lxs visitantes que lean con anticipación las advertencias sobre el contenido de esta exposición. También estarán disponibles en la StampGallery.
Accesibilidad
Una versión para compartir este documento está disponible aquí.
Espacio con enfoque de trauma: centrar la atención en las necesidades de las personas víctimas de trauma, incluyendo la violencia sexual y de pareja, es esencial para esta exposición. Como afirma Jadelynn St. Dre, un espacio con enfoque de trauma, no solo implica ser consciente de la prevalencia del trauma, sino que también está diseñado para responder a las necesidades de las personas a medida que surgen. La exposición reconoce el gran impacto que la violencia puede tener y que esta se produce a nivel estructural, institucional, comunitario e interpersonal. La selección de obras de arte, el lenguaje, los recursos, los espacios para sentarse y la atmósfera de la exposición, además de las prácticas de accesibilidad que se indican a continuación, se diseñaron teniendo en cuenta estas realidades, incluyendo advertencias sobre el contenido que animan a los visitantes a reflexionar sobre cómo presencian las historias y las obras de arte de la exposición.
Exposición: la accesibilidad de esta exposición incluye advertencias sobre el contenido, objetos sensoriales, obras de arte táctiles, descripciones visuales, lugares para sentarse, etiquetas en braille, espacios tranquilos para el descanso y descripciones visuales de las obras de arte.
Cuidado comunitario: para proteger y ser solidarixs con las personas más vulnerables al COVID y otras infecciones, incluyendo a las personas con discapacidad e inmunodeprimidas, se recomienda a lxs participantes usar un tapabocas ajustado mientras estén en la Stamp Gallery, a menos que estén comiendo.
Sonido y olor: evita usar olores fuertes durante la inauguración. El 5 de noviembre habrá dos presentaciones, una con canto/vocalización grupal.
Accesibilidad para sillas de ruedas: todas las entradas al Stamp son accesibles para sillas de ruedas y están equipadas con puertas automáticas. Algunas entradas están a nivel de la acera, y las que no lo están cuentan con rampas accesibles para sillas de ruedas que cumplen con la ADA.
Navegación por el edificio: la Stamp Gallery se encuentra en el primer piso del edificio Stamp. Se puede acceder por el elevador desde otros niveles del edificio. El elevador incluye letras en braille para ayudar a las personas ciegas o con baja visión. Desde la entrada principal central, la Stamp Gallery se encuentra en el centro del edificio, a la derecha. La Stamp Gallery no tiene puertas automáticas, pero cuenta con personal cuando está abierta.
Estacionamiento: hay plazas de estacionamiento ADA disponibles en el estacionamiento de Union Lane, ubicado al oeste del Stamp. Las aceras accesibles para sillas de ruedas permiten a lxs visitantes con discapacidad acceder al Stamp desde el estacionamiento de Union Lane. También hay un número limitado de plazas de estacionamiento para personas con discapacidad en Campus Drive, frente al Cole Fieldhouse.
Baños: todos los baños del Stamp cuentan con cubículos accesibles más grandes que no tienen puertas automáticas. Los dispensadores de toallas de papel y los secadores de manos están montados en la pared a alturas accesibles. Hay un baño familiar/neutral en el sótano, afuera de la librería/TerpZone.
Habrá interpretación en lengua de señas (ASL) disponible en la inauguración el 5 de noviembre.
Información completa sobre accesibilidad del edificio: https://stamp.umd.edu/visit/accessibility_resources
Esta declaración de prácticas de accesibilidad se inspiró en el trabajo de Rooted Collective y se creó en consulta con Baltimore: The City of Accessible Arts (BCAA). Rooted es un encuentro liberador de personas negras LGBTQ para definir, soñar y expandir las maneras en que nos recuperamos de la opresión y practicamos la alegría y el placer. Rooted basa su trabajo en la convicción de que la sanación para todas las personas negras es la resistencia política. BCAA es un proyecto que busca transformar Baltimore en una ciudad de artes accesibles. Para este proyecto con sede en Baltimore es esencial el liderazgo creativo de artistas con discapacidad y miembros de la comunidad, quienes trabajan en estrecha colaboración con museos, galerías, espacios de arte y organizaciones de Baltimore que atienden a adultxs y jóvenes con discapacidad.
SOBRE LA STAMP GALLERY
Ubicada en la primera planta del Adele H. Stamp Student Union—Center for Campus Life at the University of Maryland, College Park, la Stamp Gallery se dedica a exhibir arte contemporáneo, especialmente la obra de artistas emergentes y a la mitad de su carrera profesional. La Stamp Gallery apoya el arte contemporáneo provocador, académicamente atractivo y en sintonía con las problemáticas comunitarias y sociales. A través de exposiciones y una programación significativa, la Stamp Gallery ofrece oportunidades de aprendizaje experiencial fuera del salón de clases. Asimismo, funciona como un laboratorio donde artistas y curadorxs emergentes experimentan y perfeccionan sus ideas. La programación de la Stamp Gallery busca enfatizar la importancia del proceso para la práctica artística contemporánea y brindar un foro para el diálogo.
ENTRADA GRATUITA y abierta al público.
Horario de la Stamp Gallery: lunes a jueves: 10:00 a. m. a 8:00 p. m., viernes: 10:00 a. m. a 5:00 p. m., sábados: 11:00 a. m. a 5:00 p. m., domingos: cerrado.
Más información: stamp.umd.edu/gallery.